BLOG DA PROFESORA E ARTISTA PLÁSTICA PAULA MARIÑO


domingo, 23 de noviembre de 2014

TINO CANICOBA: LA PUTA VIDA

 A pasada semana o departamento de Artes Plásticas –aulas de Pintura e Escultura- da Escola de Artes e Oficios de Vigo,  organizou dúas visitas conxuntas a exposición de Tino Canicoba: LA PUTA VIDA.


O artista ante a peza O BÉBEDO, madeira de castiñeiro. 2014

 Tras a presentación pola miña parte da proposta estética do artista e diversos comentarios técnicos de Rosa, a profesora de escultura, Tino respondeu as múltiples preguntas que o numeroso alumnado fíxolle con respecto a súa obra sobre o emprego da cor, o evidente alongamento das súas pezas, o expresionismo,  (que abrangue tamén unha certa mirada humanista cara á realidade social non exenta de dramatismo) e a súa experiencia artística como tallista e ensamblador nas pezas feitas en madeira, entre outras moitas preguntas, que amosou o evidente interese do alumnado pola obra de Canicoba.
 A mostra de CANICOBA, presenta pezas case exclusivamente realizadas no último ano en madeira policromada, asemade dalgunha peza anterior en pedra e metal.
 Deixovos aquí, algunhas das fotografías que fixemos neses dous días.


Ante a peza SAÍNDO DE MISA, madeira. 


O saxofonista


Alumnado ante a peza LA PUTA VIDA, madeira. 2014


Facendo fotos da peza PASEANDO A TOBI.


                                            Alumnado de pintura ante a peza O SUICIDA


Alumnado de escultura observando PASEANDO A TOBI.


Ante a peza A NAI


Escoitando ao artista


O numeroso alumnado


Ante a peza O PEDIGÜEÑO


Alumnado de pintura ante o MUTILADO DE GUERRA, madeira. 2012


De novo ante a peza SAÍNDO DE MISA.


O alumnado escoitando, entre eles a peza A CANTANTE. 


A cabeza de LA PUTA VIDA, madeira. 2014


Un grupo do alumnado de pintura ante a peza Alzheimer, madeira. 2014




TINO CANICOBA on PhotoPeach

domingo, 16 de noviembre de 2014

MARÍA BLANCHARD (Parte III)


Retrato de María por TORA VEGA HOLMSTRÖM

 CUARTA ETAPA: PARÍS E O RETORNO Á ORDE
 Tras comezar a década dos anos 20, como outros moitos artistas María abandona o cubismo. De feito, a traxedia da Primeira Guerra Mundial fixo que os artistas volvesen a súa mirada cara á arte clásica, como algo sólido, durable, imperecedero. Trátase en realidade dunha volta á orde que se inicia en Italia, a través do grupo Valori Plastici, en Alemania a través da Nova obxetividade e nos demais países europeos, a través de achegas individuais. Ao grupo de artistas que xorde en Francia, denominóuselles Os evadidos do cubismo (Tabarant) ou os Tránsfugos do cubismo (Vauxcelles).



Campesiña. 1922. Carboncillo sobre papel canson.


A nena do brazalete. 1922


A cociñeira. 1923


Maternidade. 1924

 Preséntase de novo no Salón dos Independentes de París en 1922 con dúas obras A femme au chaudron e A femme au panier, obtendo igualmente un gran éxito de crítica. Expón vinte e unha obras na Galería Centaure de Bruxelas entre os días 14 e 25 de abril de 1923, organizada por Ceux de Demain; a presentación do catálogo corre a cargo do seu amigo e pintor André Lhote; as críticas non poden ser máis elogiosas, co que se lle abre un importante mercado en Bélgica. Asina un duro contrato co seu marchante Lheon Rosemberg, o que lle supón unha certa seguridade económica.


O neno do carro de xelado. 1924


Maternidade. 1925


A convalecente. 1925. Pastell sobre cartón


A bordadora. Óleo sobre lenzo. 1925

 Distanciada de Juan Gris desde fai uns anos, a súa morte provócalle unha gran dor, que se transforma nun abatimiento xeral e un grave estado depresivo. É unha etapa de misticismo, de entrega relixiosa, que lle move a pensar en entrar a un convento, algo do que é disuadida polo  pai Alterman. Malia as súas crises relixiosas persoais, María segue pintando incansablemente, obras cunha temática marcada pola súa propia condición  física: personaxes enfermos e doentes, envoltos en  ambentes tristes e meditativos.

 Tras exponer de novo en Bruselas na Galerie Ceux de Demain no ano 1927, expón por última vez no Salón dos Independentes de París mostrando catro pinturas: Portrait, Portrait, Femme assise e Le buveur. Malia o seu estado de saúde, viaxa a Bruxelas e posteriormente a Londres. Expón na galería Vavin de Parides. Pinta “San Tarcisio”, de profundo e auténtico sentido relixioso. O 26 de maio de 1930, Paul Claudel visita o seu estudo, quedando impactado por ese cadro ao que dedicará en 1931 unha poesía. A proposta artística deses anos céntrase cara a unha figuración renovada, ao contraxeito, pintando retratos, nenos e escenas da vida cotiá, cargadas de certas doses de traxedia. Este cambio ten tamén consecuencias nun maior illamento e reclusión internas. As súas pinturas son ás veces incisivas, punzantes con temas que pola súa propia natureza levan á compaixón: a pobreza na infancia, a angustia dos desamparados, mulleres desvalidas e doentes, pícaros sobre os que pousa unha mirada de cor delicado e sombrío e de ritmos angulares.



Nena orando. 1926


Muller botando as cartas. 1926


Muller peinándose.1927

 Os seus últimos anos de vida estiveron sumidos nunha enorme tristeza e grandes penurias económicas (tiña a varios familiares ao seu cargo), ata que morre en Parides en 1932 de tuberculosis. O seu enterro, como a súa vida, non puido ser máis sinxelo, sendo enterrada no cemiterio de Bagneux acompañándoa na súa última viaxe, Francisco Pompey, André Lhote, César Abín, Angelina Beloff, Isabel Riviére e parte da súa familia; xunto a eles un gran número de indigentes e vagabundos aos que a artista auxiliara ao longo de moitos anos. O Ateneo de Madrid adícalle dous meses despois da súa morte, unha homenaxe na que participaron Lorca, Gómez de la Serna e Concha Espina.

 As exposicións retrospectivas sobre a artista foron moi escasas, podendo destacar, polo seu carácter científico, as tres seguintes: a primeira na Galerie L´ Institut de París en 1955 en torno á súa etapa cubista; a segunda, de carácter retrospectivo, no Musée de Beaux-Arts de Limoges en 1965, comisariada por Marie-Madeleine de Gabrielli, e a terceira igualmente antológica, con motivo do centenario do seu nacemento, no Museo Español de Arte Contemporánea, organizada polo Ministerio de Cultura, que supuxo a presentación por primeira vez en España de toda a súa produción.



Muller tumbada.1928



A bretona. 1928-30

Información sobre a artista na rede:



lunes, 10 de noviembre de 2014

MARÍA BLANCHARD (Parte II)


Retrato de María Blanchard por Tora Vega Holmström. 1912

  TERCEIRA ETAPA: PARÍS E O CUBISMO

 En 1916 María Blanchard abandonou definitivamente España, cambiando a seguridade dunha cátedra de debuxo na Escola Normal de Salamanca e a protección da familia por estudo no barrio de Montparnasse. Ela volvera a París tamén para combater, e o seu combate estaba nas trincheras da vanguardia artística. Ese mesmo ano comeza a súa colaboración con Léonce Rosenberg, director da galería L´Effort Moderne, que acolle o máis destacado do movemento cubista. A súa obra tamén se verá colgada no Salon d´Antin, no ano 1919 xunto a artistas consagrados como Matisse e Derain e outros por consagrar como Modigliani ou Léger.
 De feito María pinta meses anos moitas obras cubistas e expón no ano 1920 no Salón dos Independentes de París tres obras: Nature morte, Nature morte e L´Enfant au berceau, obras que xa figura como propiedade de Léonce Rosenberg, marchante da artista, aínda que será neste ano, 1920, cando rompen relacións. Expón na colectiva Cubismo e Neocubismo organizada pola revista Seléction en Bruxelas onde contacta co grupo de marchantes denominado Ceux de Demain formado por Jean Delgouffre, Frank Flausch e Jean Grimar, quen se ocuparán da súa obra anos máis tarde e serán non só os seus marchantes senón amigos en cuxo contorna familiar sentirase segura. Tamén no 1920, participa nunhadas poucas exposicións que realizou en España, la Exposició dárt francés d´avantguarda, nas Galerías Dalmau de Barcelona.



Composición cubista. Óleo e collage. 1919. 


Natureza verde con lámpada. 1916-17


Muller con abano.1913-16

 Nesta obra, o motivo se descompón en múltiples planos que fan referencia a outros tantos puntos de vista, ao tempo que a gama cromática inclúe os máis vivos tons. Blanchard realizou outra versión da obra, porén tamen existen outros casos como este, nos que a pintora repite dúas veces o mesmo tema con diversas variacións, que emparellan Femme à la guitare (Musée du Petit Palais, Ginebra, 1917) coa Mujer con guitarra (1917) do Museo Reina Sofía ou Composicion con personaxe (Colección Masaveu, 1917) con L'enfant au cerceau, tamén datado en 1917.


Muller con mandolina. 1916


Natureza morta. 1918

 Blanchard produce obras dun cubismo (según algún expertos e críticas de arte) moi persoal,  e máis libre na interpretación dos temas que artistas como Picasso, Braque ou Gris, máis a inxustiza dun mundo da arte dominada por homes chegou ata tal punto que algunhas obras de Blanchard atribuísense durante moitos anos a Juan Gris. De feito, María traballa en igualdade de condicións que os seus compañeiros de andaina masculinos. Será quizais a súa deformidade a que a afastou de convertela nun obxecto? (podemos falar de artistas como Leonora Carrintong ou Dora Maar, fagocitadas polos seus compañeiros) De feito a súa enfermidade converten a súa experiencia estética en algo paradóxico, pois posúe unha independencia e liberdade no seu traballo que a convirten en suxeito activo da arte, pois se ben é certo que o seu aspecto condicionou a súa vida, non o é menos que a súa forte personalidade e a súa dura existencia forxaron o respecto dos seus compañeiros, quen chegaron a aceptala como un máis, nun medio culturalmente dominado polos homes. De feito, María  chegou a compartir estudo e vivenda con artistas como Juan Gris ou Diego de Rivera, cos que fixo diversas viaxes por Europa e cos que compartía tamén faladoiros artísticos nos círculos parisinos.
 Será tamén nestes anos cando escomece a súa amizade con  André Lhoté, quen practicaba también o cubismo e exercía como crítico. Debido as duras condicións de vida nese anos de guerra, María  instálase na casa de campo que Lhote tiña en Étréchy, ata que co armisticio se reanudará a actividade artística parisiense, polo que un ano despois, no 1919, a pintora inaugurará a súa primeira exposición individual en L’Effort Moderne, con escasa sorte pois Rosenberg decide rescindir  o seu contrato. Será entón cando Blancard comeza a elaborar unha sorte de persoaxes tráxicos, ensimismados e rodeados de soidade e valeiro. Lhote, conmovido pola forza destas obras, a pon en contacto co marchante Girardin. Será grazas a Lhote, quen convence a marchante para que envíe a obra da artista ao Salon des Indépendants, quen ofrece o seu primer gran éxito a Blanchard no ano 1921. No salón, o rostro atormentado de “A comulgante” (parece ser unha obra realizada anos antes en Madrid) xorde como unha revelación, conmocionando tanto á crítica como aos seus colegas. Segue mantendo  neses anos a súa amizade con Gris e entabla relación con Metzinger, o crítico Maurice Raynal e o poeta chileno Vicente Huidobro. 





MARIA BLANCHARD E O CUBISMO on PhotoPeach

domingo, 9 de noviembre de 2014

PROXECTOS 2014



 O pasado venres 7 de novembro, inaugurouse na Escola de Artes e Oficios, no ESPAZO EMAO a mostra “Proxectos 2014”, cunha ampla representación de alumnas da aula de Pintura. En total oito alumnas presentaron pezas nas  que realizan distintas reflexións sobre a praxis pictórica que van dende a conceptualización do “xeito de mirar” nas pinturas de Elena Rodríguez desde un punto de vista tradicional en canto ao emprego do óleo e a figuración na busca dun “locus” que pasa desapercibido para quen camiña, ata a proposta máis clásica en canto a relación figura-fondo nas obras de María Ponce pero que entende o modo de enxergar a imaxe no fondo a partir da negación da forma e no que tamén cobra unha importancia fundamental o formato, que varía según as pezas.


Elena Rodríguez, ante as súas pezas, da serie POR ONDE PISO


Peza de María Ponce

 Tamén Herminda Riveiro bebe da figuración, maís nas súas obras a importancia da subxectividade no emprego da cor nos remiten as primeiras vangardas da arte galega, nun traballo exhaustivo de investigación en canto ao emprego da cor e a pincelada. O óleo será, xunto coa técnica mixta a técnica que aparece na proposta de Silvia Pérez, quen reinterpreta a paisaxe a partir dunha mirada ao Romanticismo nesas pezas das que xurden espazos infindos e nos que afonda nunha estética do despoxamento cercana ao minimalismo.


 Herminda Riveiro e as súas tres pezas


Panorámica das dúas pezas de Silvia Pérez

María Pérez emprega tamén o óleo, xunto co collage e o gravado, nun traballo que parte dunha liña de investigación en canto as imaxes anterior, e que afonda asimesmo en aspectos como o emprego de distintos soportes e o ensamblaxe, algo que tamén aparece no carácter experimental e moi poético  das pequenas pezas de Loli Villar, quen realiza tamén moitos bocetos previos as pezas que nacen dunha reflexión sobre a arte, a ciencia e a tecnoloxía, no que a emoción está moi presente.


Obras en óleo de María Pérez


Lola Villar ante as súas exquisitas e pequenas pezas 

. Nas pinturas de Marián Rodriguez a experimentación cos materiais a achegan ao mundo surrealista desde a obxectividade do punto de partida –fotos-  e o emprego de texturas que dan paso a obras autorreferenciais a partir de figuras desubicadas en espazos reducidos. Finalmente, tamén a experimentación esté enxergada na poética das pezas de Boché Pérez, nun traballo que desenvolve ideais moi persoais sobre o mundo que a rodea, pois os seus “feixes e peixes” conforman unha sorte de imaxes nas que a paisaxe galega está presente, aínda que  descontextualizada nesas herbas, cortizas e feixes a partir da abstracción e a técnica mixta.


Detalle dunha peza de Marían Rodríguez


Boché Pérez, ante a súa proposta en técnica mixta

 Estes traballos e pezas responden a idea de proxecto como conxunto de actividades –tanto intelectuais como procesuais- que fanse para acadar un determinado obxectivo, que neste caso teñen o nexo común da pintura e que poden considerarse como proxectos sociais ou públicos que  xurden como resposta a unha necesidade: o de facer visible o invisible.

OUTRAS FOTOS DA MOSTRA


Lorena, alumna na actualidade da aula de Pintura ante a súa proposta da aula de Debuxo


Olimpia, alumna na actualidade da aula de Pintura ante a súa proposta da aula de Debuxo


Peza da aula de Escultura e Talla en Madeira



PROXECTOS 2014. PINTURA on PhotoPeach

sábado, 1 de noviembre de 2014

MARÍA BLANCHARD (Parte I)


  Malia os esforzos realizados nos últimos anos, a biografía de María Blanchard segue estando chea de lagoas. A documentación inédita que se conserva de André Lhote, o seu amigo e protector, e que custodia unha sobrina do pintor en París, axuda a descubrir aspectos ata agora descoñecidos da vida desta artista, nacida en Santander en 1881. Naceu cunha xiba e ata agora, a maioría dos seus biógrafos atribuían esta desgraza a unha caída da súa nai estando embarazada, cousa incerta pois hoxe sabemos que a cifoescoliosis que sufría foi causada por unha alteración cromosómica. Será a súa enfermidade, a culpable de que apenas existan fotografías da artista. "Tan amante da beleza, sufría coa súa deformidade ata un grado impresionante", escribe a súa curmá Josefina da Serna, mentres que Ramón Gómez da Serna, déixanos a súa mellor descrición: "Miuda, co seu pelo castaño despeinado en flotantes Avós, coa súa mirada de nena, mirada susurrante de paxaro con triste alegría".  Aínda que arroupada baixo o espírito romántico e emprendedor do seu pai, quen a encarrilou polo camiño da pintura, padeceu unha infancia e adolescencia tristes de quen se sabe irremediablemente condenada pola natureza, algunhas das súas palabras reflicten a súa anguria: "non teño talento, o que fago fágoo só moitísimo traballo" ou "cambiaría toda a miña obra... por un pouco de beleza", reflicten a súa propia opinión sobre o seu físico e a súa obra. Aínda así, María abandonou o pouco estimulante panorama artístico santanderino e marchou a Madrid a formarse como pintora e serán as súas dotes para o debuxo e a súa extraordinaria sensibilidade, as que a levan dende moi nova a plasmar a través da plástica as súas propias obsesións: a enfermidade e a morte. Nese sentido, Blanchard achégase ao universo de Frida Khalo, quen debido tamén a problemas físicos enceta o seu traballo desde unha perspectiva moi persoal e subxectiva.

PRIMEIRA ETAPA: MADRID
Os seus primeiros pasos comezan no ano 1903 en Madrid, no estudo de Emilio Sala, cuxa precisión no debuxo e exuberancia na cor influirán nas súas primeiras composicións. En Madrid, María segue sufrindo o rexeitamento dunha sociedade pechada, polo que trala norte do  seu pai toda a familia decide trasladarse a Madrid, onde continúa os seus estudos no ano 1906 con Fernando Álvarez de Sotomayor e empeza a expoñer en Belas Artes. Dous anos máis tarde concorre de novo, conseguindo terceira medalla de pintura coa obra “Os primeiros pasos”. Ese ano entra no obradoiro de Manuel Benedito, máis serán A Deputación de Santander e o Concello da súa cidade natal os que lle concéden becas para proseguir os seus estudos en París.


Paisaxe. 1912



Muller con vestido vermello. 1910-12


A española. 1912-14

 Nas súas obras de mocidade aínda non posúe como esta obra de "A española"  dunha personalidade artística propia e son, como ocorre na maioría dos casos, permeables á influencia dos seus diferentes mestres, podéndose rastrexar a presenza nelas de Fernando Álvarez de Sotomayor, Emilio Sala, Manuel Benedito, Hermenegildo Anglada Camarasa e Kees Van Dongen. Centra a súa iconografía no retrato, a través do cal podemos rastrexar a súa evolución. Pasa das cores sobrios e o debuxo firme, suxeito ao tema, a unha maior riqueza colorista, un tanto expresionista, unha materia máis rica e densa, utilizando a espátula e unha factura máis solta, liberándose progresivamente do atavismo tradicional.


SEGUNDA ETAPA: PARÍS E OS ANOS DE FORMACIÓN

 Será pois grazas ao seu éxito na Exposición Nacional de Belas Artes en 1908, cando consegue a beca para marcharse a París. Será alí, na capital francesa, onde Blanchard comezou a romper corsés estilísticos e a penetrar no fauvismo cunha obra onde emprega un uso expresivo da cor. En primeiro lugar acode á academia Vitti a recibir os ensinos de Hermenegildo Anglada Camarasa e Van Dongen que orientan o seu traballo cara á liberdade da cor e a expresión, permitíndolle afastarse das restricciones da pintura académica na que iniciara a súa carreira. Na academia entabla amizade con Angelina Beloff, nova artista rusa, coa que no verán dese mesmo ano viaxa a Londres e Bélgica, onde coincide con Diego Rivera. No ano 1910, acode á academia de María Vassilief, pintora rusa, onde achégase ao o cubismo, grazas á directora da academia.
  Preséntase á exposición nacional de Belas Artes con “Ninfas encadenando a Sileno”, obtendo unha segunda medalla, o que significaba o recoñecemento ao seu talento, e onde pode apreciarse a influencia de Anglada Camarasa. Ao concluír a súa primeira estancia en París, e tras unha breve estadía  en Granada, decide regresar a cidade do Sena, polo que solicita outra beca á Diputación e ao Concello de Santander intercediendo por ela Enrique Menéndez Pelayo. Volve pois a París no ano 1912 e instálase en Montparnasse, compartindo casa e estudo con Diego Rivera e Angelina Beloff.


Ninfas encadeando a Sileno. 1910

 De novo en Madrid no ano 1915, onde lle sorprendeu a Primeira Guerra Mundial, frecuenta o café Pombo e a súa tertulia promovida por Gómez de la Serna, e participou na exposición Os pintores íntegros, na que a artista amosa por primeira vez obras dun incipiente cubismo, mostra que foi vapuleada por crítica e público e na que participan tamén Diego Rivera, Agustín Choco e Luís Bagaría. 


A comulgante. 1914

Esta obra a presentará con posterioridade no Salon des Indépendants, quen ofrece o seu primer gran éxito a Blanchard no ano 1921.